Erstellen Sie einen Anaglypheneffekt der alten Schule
Ein Anaglypheneffekt ist der richtige Name für den klassischen 3D-Stil, bei dem Sie eine rote und blaue Brille tragen müssen, um den Inhalt zu schätzen. Hier erfahren Sie, wie Sie mit Basisbildern, Schattierungen und Texturen den klassischen 3D-Effekt erzielen. Bevor Sie anfangen, holen Sie sich etwas freie Texturen um Ihr Design so zu gestalten, wie Sie es möchten.
Die in diesem Tutorial erstellte Braut ist ein Originalstück, das ich unter Verwendung eines Referenzbilds als Basis und unter Verwendung des Anaglypheneffekts erstellt habe. Ich benutze diesen Effekt oft in meiner Arbeit, um Themen der Dualität zu untersuchen und um B-Filmen der 50er und 60er Jahre zu huldigen.
Weitere Tutorials finden Sie in unserem Photoshop-Tutorials Post.
01. Erstellen Sie die Farbpalette
Um den Effekt zu erzielen, muss ich Blau- und Rottöne verwenden. Es kann auch mit anderen Farben arbeiten, aber diese sind die traditionellsten. Farbe war für mich eine Herausforderung, insbesondere im digitalen Medium, wo buchstäblich jede Farbe zur Verfügung steht, die Sie sich vorstellen können.
Diese Farbpalette stammt von einem Vintage-3D-Poster, das ich in einem Antiquitätengeschäft gefunden habe. Ich habe ein Foto davon gemacht und die Farben in Photoshop abgetastet, um die Palette zu erstellen. Ich habe seitdem einige Änderungen daran vorgenommen, aber ich finde, dass es mit der 3D-Brille, die ich immer mit meinen Druckaufträgen verschicke, hervorragend funktioniert.
02. Holen Sie sich das richtige Referenzbild
Vintage Werbeillustrationen und Fotografie geben mir endlose Inspiration. Ich liebe die idealisierte, traumhafte und hoffnungsvolle Welt, in der diese Bilder stattfinden.
Für mich ist es wichtig, das richtige Referenzbild zu finden: Ich suche nach Gesamtzusammensetzung und Gesichtsausdruck. Das Referenzbild ist wichtig, aber ich bearbeite meine Skizzen immer ziemlich oft. Die meiste Zeit sehe ich, was in der unteren Ebene passieren wird, wenn ich anfange, die Zeichnung der oberen Ebene zu blockieren.
03. Zeichne die obere Ebene
Ich blockiere das Referenzbild, um die Grundkomposition zu erhalten. Ich finde es wirklich wichtig, nicht direkt über das Bild zu fahren - direkte Spuren können sich manchmal gestelzt und emotionslos anfühlen. Wenn ich auf diese Weise arbeite, kann ich der Zeichnung etwas Bewegung geben. Sobald das Bild blockiert ist, verschiebe ich eine kleine Kopie des Referenzbilds in die Ecke meiner Leinwand, wo ich es leicht sehen kann.
04. Linien einführen
Als nächstes tusche ich die Zeichnung digital. Normalerweise werden alle meine Linien auf einmal erledigt. Wenn ich in Schwarzweiß arbeite, stelle ich sicher, dass ich die gewünschten Linien bekomme. In diesem Schritt könnte ich eine Ebenenmaske oder Tinte in Rot zeichnen, aber das verlangsamt mich.
05. Fügen Sie eine Ebenenmaske hinzu
Um die Linien zu färben, erstelle ich gerne eine einfarbige Ebene (rot). Dann mache ich eine Ebenenmaske, in die ich meine Linien einfügen werde. An diesem Punkt werde ich 'Multiplizieren' einstellen und die Deckkraft auf etwa 20 Prozent einstellen, gerade genug, um die rote Ebene zu sehen.
07. Skizzieren Sie die Unterschicht
Das Erstellen der Unterschicht ist mein Lieblingsteil meines Prozesses - hier wird das Stück wirklich interessant. Normalerweise probiere ich verschiedene Ideen und Kompositionen aus. Das Skelett habe ich schon oft gezeichnet, daher bin ich ziemlich zuversichtlich, es freihändig zu zeichnen. Ich werde die schwache obere Schicht als Leitfaden verwenden.
Für die Krähen und Schlangen verwende ich Referenzbilder genauso wie für die Zeichnung der oberen Ebene (( siehe Schritt 03). Ich färbe sie ein, bevor ich zum Skelett übergehe. Auf diese Weise kann ich Dinge bewegen, wenn die Komposition nicht funktioniert.
08. Definieren Sie die Tinte der Figur
Sobald ich mit der Komposition zufrieden bin, färbe ich die verbleibende Skizze ein und füge sie wie zuvor in eine Maske ein.
09. Schatten und Textur hinzufügen
Jetzt, da ich meine roten und blauen Schichten dort habe, wo ich sie haben möchte, ist es Zeit, etwas Schatten und Textur hinzuzufügen. Ich habe jahrelang meine eigenen Pinsel und Texturen erstellt und dabei sorgfältig Farbspritzer und körnige Texturen gescannt.
Dann habe ich entdeckt True Grit Texture Supply und habe nicht zurückgeschaut. True Grit bietet einige der besten hochauflösenden Photoshop-Pinsel in Druckqualität auf dem Markt.
10. Schattieren Sie jeweils eine Schicht
Beim Schattieren konzentriere ich mich gerne auf jeweils eine Ebene. Auf diese Weise weiß ich, dass jede Schicht für sich fest ist. Auf der roten Ebene verwende ich einen der Halbton-Shader-Pinsel von True Grit mit 45-Grad-Punkten. Ich liebe es, wie ich sofort eine Vintage-Halbton-Textur erzielen kann. Auf der blauen Ebene verwende ich einen 90-Grad-Linien-Halbtonpinsel, ebenfalls von True Grit (ich verspreche, dass sie mich nicht bezahlen ...). All dies findet auf der Ebenenmaske statt.
11. Körnung und Textur hinzufügen
Wenn die Schattierungswerte gut aussehen, ist es Zeit, etwas Körnung und Textur hinzuzufügen. Mein Ziel ist es, ein abgenutztes und robustes Erscheinungsbild zu schaffen, das Wetterschäden nachahmt.
Ich möchte, dass sich das Stück so anfühlt, als wäre es vergessen oder verloren gegangen. Es ist jedoch wichtig, dass ich bei diesem Schritt nicht über Bord gehe und dass sich die Belastungen auf beiden Ebenen gegenseitig ergänzen.
Die Deckkraft der Ebenen wurde zu diesem Zeitpunkt mit viel gespielt, daher möchte ich sicherstellen, dass die Dinge zufällig und nicht zu geplant aussehen.
Dieser Artikel wurde ursprünglich in Ausgabe 296 von Computer Arts, dem weltweit meistverkauften Designmagazin, veröffentlicht. Kaufen Ausgabe 296 jetzt oder abonnieren zu Computer Arts.
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