Wie man traditionelle und digitale Medien mischt
Die Leute sagen, dass ich einen malerischen Stil habe. Tatsache ist, dass ich als aufstrebender Künstler Ende der 90er Jahre Photoshop verwendet habe, um die gewünschten Ergebnisse zu erzielen, und ich war frustriert, sie nicht mit echten Farben und Pinseln zu produzieren. Ich begann oft mit einer Illustration auf Papier, versuchte sie so weit wie möglich zu schieben, und wenn ich an meine Grenzen stieß, scannte ich die Grafik ein und beendete sie digital.
Jahre später mache ich oft umgekehrt: Erstellen Sie eine Skizze in Photoshop, bevor Sie zu meiner Leinwand wechseln. Meine Technik mag sich geändert haben, aber ich habe nicht die Gewohnheit verloren, mit Farbtuben zu spielen, und ich verwende immer noch gerne sowohl digitale als auch traditionelle Werkzeuge für die ergänzenden Dienste, die sie anbieten. Schließlich ist das Schärfen Ihrer Technik in einem Skizzenbuch definitiv nicht das Gleiche wie auf einem Wacom.
01. Bereiten Sie Ihre Werkzeuge vor
Für diesen Workshop benötigen Sie Ihren Computer und ein Tablet. ein Scanner; Weinkohle, Buntstifte oder ein schwerer 7B-Bleistift; ein knetbarer Radiergummi; ein normaler Radiergummi; ein paar Pinsel und ein paar Gouachetuben.
Das Papier kann alles sein, was Sie zur Hand haben: Bristol, Canson oder Aquarellpapier zum Beispiel. Sie können auch über eine der Zeichnungen malen, die Sie in Ihrem Skizzenbuch mögen, aber Sie müssen sie auf Ihren Tisch kleben, um zu verhindern, dass sich die Seite verzieht.
02. Kohle oder Bleistift?
Ich verwende Holzkohle, weil es ein vielseitiges Werkzeug ist, das eine Vielzahl von Effekten erzeugt, von dünnen Linien bis zu fetten Strichen. Diejenigen, die gerade erst anfangen, können es jedoch schwierig finden, sie zu kontrollieren, da die Ergebnisse oft unordentlich aussehen. Verwenden Sie daher einen normalen Stift, wenn Sie dies bevorzugen. Versuchen Sie jedoch, keinen mechanischen zu verwenden: Wir möchten hier Spaß haben und keinen technischen Zeichnungsplan erstellen!
03. Erstellen Sie nun Ihr Basisbild
Fühlen Sie sich frei, direkt aus Ihrer Fantasie oder aus einer Referenz zu schöpfen. Sie können Transparentpapier verwenden, wenn Sie mit der freien Hand nicht vertraut sind, oder sogar einen Leuchttisch verwenden, wenn Sie einen haben.
Es gibt eine verbreitete Überzeugung, dass das Aufspüren Betrug ist. Dies ist teilweise richtig, aber versuchen Sie, das Gemälde als das zu betrachten, was es ist: eine Übung. Sie müssen sich auf die Ausdruckskraft Ihrer Zeichnung und die gemalten Texturen konzentrieren, die Sie produzieren möchten.
04. Starke Schwarzwerte
Es ist wichtig, dass Sie etwas mit einem starken Schwarzwert verwenden, z. B. einen 6B- oder 7B-Stift. Ziel ist es, die Zeichnung hinter der Farbe erscheinen zu lassen, die später aufgetragen wird.
Wenn Sie einen 2H- oder HB-Stift verwenden, besteht eine gute Chance, dass die Informationen verloren gehen. Wenn Sie sich beim direkten Eintauchen mit einer 7B unwohl fühlen, können Sie dennoch eine Vorzeichnung mit einer 2H durchführen, um sicherzugehen, dass Sie etwas Genaues zeichnen.
05. Ausdrucksmarken
Ich benutze keinen Druckbleistift, weil ich in diesem Workshop versuche, meinen ersten traditionellen Schritten, auf die ich zählen werde, um mein Bild hervorzuheben, so viel Ausdruckskraft zu verleihen.
Ich habe auch keine Angst, Fehler zu machen, weil ich weiß, dass ich sie übermalen und in Photoshop beheben kann. Ich lasse einfach die Holzkohle ihren Job machen und habe Spaß mit den Markierungen, die ich auf das Papier gesetzt habe.
06. Einfache Farbpalette
Es ist Zeit zu malen und ich beginne mit Gouache. Ich halte mich an eine gedämpfte Palette von nur wenigen Farben: Sepia, Gelb, Schwarz und Weiß. Die Idee ist, schnell und locker zu bleiben. Gouache ist kein transparentes Medium und Sie glasieren nicht damit. Ich benutze es, um bestimmte Bereiche wie die Rose rechts, den Kragen und den Arm in den Hintergrund zu rücken. Dadurch kann ich die Betonung des Bildes auf das Gesicht meines Charakters legen.
07. Spielen Sie mit Ihren Schlägen
Beachten Sie, dass ich das Gesicht nicht zu sehr berühre. Ich lege einfach eine gelbe Wäsche auf die rechte Seite. Dies ist der Schwerpunkt meiner Malerei, und deshalb versuche ich hier, die schwärzesten Schwarztöne beizubehalten.
Halten Sie sich nicht vom Spielen mit Strichen zurück: Hier mache ich große, kühne Markierungen und male Farbtropfen, um diesen malerischen Look zu erzielen. Irgendwann kritzele ich auch mit einem blauen Buntstift. Ich mache nur Spass!
08. In Photoshop scannen
Nachdem mein Bild trocken ist, kann ich es scannen und in Photoshop damit spielen. Da ich beschlossen habe, ein Bild mit gemischten Medien zu erstellen, konzentriere ich mich nur auf Gesicht und Hand und lasse den Rest des Bildes fast unverändert.
Ich fange an, das Fleisch langsam über meine Zeichnung auf einer Multiplikationsschicht mit einer rosa-braunen Tönung zu streichen. Ich werde während des gesamten Prozesses nur eine kleine Anzahl von Schichten verwenden.
09. Selektive Bürstenverwendung
Ich benutze nur eine Handvoll Photoshop-Pinsel. Es handelt sich um normale Rundpinsel sowie einige benutzerdefinierte Pinsel, die ich ständig verwende, wenn ich einen malerischen Effekt erzielen möchte.
Ich erhöhe die Werte nur langsam, wobei die Deckkraft selten mehr als 20 Prozent beträgt. Ich mag es, ein ziemlich realistisches Ergebnis zu erzielen, aber ich bin nicht verrückt nach der Detailgenauigkeit, weil ich darauf bedacht bin, dass Gesicht und Hand mit dem losen Hintergrund verschmelzen
10. Bügeln Sie diese Fehler aus
Ich drehe das Bild um und sehe hier und da schnell einige Fehler: Ein Auge ist nicht besonders gut platziert, ihr Mund sieht zu schmal aus und das Funkeln in ihren Augen ist zu groß.
Das Umdrehen eines Bildes ist eine gute Möglichkeit, falsche Elemente hervorzuheben, die Ihnen zunächst nicht auffallen. Ich kann auch sehen, dass meine Komposition etwas unausgeglichen ist; Mit dem Kopfschmuck stimmt etwas nicht, verglichen mit der Platzierung der Hand.
11. Halten Sie das Gleichgewicht
Ich beschließe, die Kraftlinien zu vervollständigen, indem ich dem kleinen Vogel in der oberen linken Ecke einen Flügel hinzufüge. Es ist wichtig, eine ausgewogene Komposition zu bewahren. Sie sehen es vielleicht zuerst nicht, aber Sie können sicherlich fühlen, wenn etwas unausgeglichen ist: Der Betrachter fühlt sich dadurch unwohl.
Dieser kleine Flügel ist nur ein paar Striche, nichts zu definiert, aber er ergänzt die Blütenblätter ganz rechts. Seine allgemeine Silhouette spiegelt es verkehrt herum wider.
12. Lichtquellen
Ich gehe jetzt zurück zur Verfeinerung der Haut. Ich versuche immer daran zu denken, woher meine Lichtquellen kommen und welche Schatten sie auf dem Gesicht erzeugen. Ich habe das Licht der Sonne von oben und eine weitere Lichtquelle direkt hinter ihr.
Die Farbe der Haut ist nicht nur rosa: Sie ist wärmer und gelblich, wenn das Licht direkt darauf trifft, etwas roter um die Nase, die Augen und die Fingerspitzen und kälter und blau in den Schatten unter der Nase, den Wangenknochen und der Hals.
13. Starke Farben
Wenn mir die Detailgenauigkeit im Gesicht der Figur recht erscheint, füge ich Tropfen lebendiger Farben hinzu, die von ihrer Stirn fallen. Obwohl das Thema dieses Bildes die Farbe selbst ist, amüsiert es mich zu denken, dass die Farbtropfen tatsächlich digitale Farbe sind, die auf einer traditionellen Zeichnung platziert ist. Dies ist meine subtile Art, diesem Bild ein wenig Tiefe zu verleihen, damit es nicht nur das Porträt eines süßen Mädchens ist
14. Realistische Tropfen
Ich verwende den Filter 'Abschrägen und Prägen', um den Tropfen einen schnellen 3D-Effekt hinzuzufügen. Durch das Spielen mit der Deckkraft meines Pinsels kann ich einige subtile Änderungen an der dicken Acrylsubstanz der Farbe vornehmen. Die Farbe läuft langsam nach unten und wirkt sich auf die Lippen und Fingernägel aus
15. Papierstruktur
Ich möchte nicht, dass mein Bild wie eine Collage mit einem sehr malerischen und lockeren Hintergrund aussieht, der hinter einem sehr digital aussehenden Gesicht und einer Hand sitzt. Also lege ich eine eigene gemalte Papierstruktur auf eine Überlagerungsebene auf Gesicht und Hand.
Sie können online leicht genug nach solchen Texturen suchen, aber Sie können sie auch selbst auf echtes Papier malen und scannen. Dies wird dann Ihre Textur sein und niemand anderes.
16. Glückliche Unfälle
Schließlich füge ich über allen Ebenen eine Kurvenanpassungsebene hinzu. Diese Methode bringt immer Überraschungen und Farbideen mit sich, die ich selbst nicht gefunden hätte. Es ist nur die kleine Belohnung, nach der ich suche, um zu sagen: „Hey! Jetzt bin ich fertig! '
Das Bild endet mit dem typisch melancholischen Blau / Grün-Farbton, der durch eine bestimmte Smartphone-Software populär gemacht wird, die heutzutage jeder liebt (die ich hier nicht nennen werde, aber Sie kennen die, die ich meine).
Wörter: Jean-Sébastien Rossbach
Jean-Sébastien Rossbach ist ein preisgekrönter Illustrator, Konzeptkünstler und Maler. Zu seinen Kunden zählen Marvel, Ubisoft, Wizard of the Coast, Blizzard und Tor Books. Dieser Artikel erschien ursprünglich in ImagineFX Zeitschriftenausgabe 102.
