Übergang von der Illustration zur Animation
Der Umzug von Illustration zu Animation ist eine logische. Verbesserungen in der Software - Integration, Benutzerfreundlichkeit, Kosten - machen den Übergang einfacher als je zuvor. Und es lohnt sich, anpassungsfähig zu sein. Die Möglichkeit, beide Dienstleistungen anzubieten, macht Sie für potenzielle Kunden zu einem doppelt attraktiven Angebot und gibt Ihnen eine größere kreative Kontrolle über Ihre Arbeit.
Der Wechsel vom statischen zum bewegten Bild ist jedoch nicht unbedingt so einfach, wie es scheint. Während die jeweiligen Disziplinen viele der gleichen Fähigkeiten und Werkzeuge teilen - die gleiche DNA, wenn Sie so wollen - bleiben sie unterschiedlich. Ein versierter Illustrator ist sich nicht sicher, ob er ein vergleichbar erfahrener Animator ist. Stills, so gut sie auch sein mögen, sind schwer so zu vergrößern, dass sie zu faszinierenden bewegten Bildern werden.
Logischer Fortschritt
Aber viele Illustratoren haben den Wechsel erfolgreich durchgeführt. Wie haben sie ein Stück Illustration in eine glaubwürdige Animation übersetzt? Und was noch wichtiger ist, wie können Sie?
'Ich nehme an, es ist eine logische Weiterentwicklung für uns', sagt Becky Bolton, die mit Louise Chappell as zusammenarbeitet Gute Frauen und Krieger . 'Unsere Arbeit ist ziemlich komplex und vielschichtig. Das Hinzufügen von Bewegung verleiht ihr eine neue und aufregende Dimension.'
Die komplizierten, abstrakten Illustrationen des Duos haben Kunden in Absolut Vodka, Adidas und Swatch gefunden - und jetzt machen sie den Schritt in die Animation.
Arbeiten mit Swatch
Es war ihr Projekt mit Swatch, der weltweit größten Uhrenfirma, das das Paar zuerst zur Animation brachte. Im Rahmen des Projekts erstellten sie Kulissen für eine Kollektion des Modedesigners Manish Arora, die für MTV animiert wurden.
'Die Animation passte wirklich zum Zeichenstil, und wir haben es geliebt, alle Elemente zum Leben zu erwecken', erklärt Bolton. 'Zuletzt hatten wir einige Zeichnungen für einige Online-Anzeigen und für ein Musikvideo animiert.
'Es war ziemlich einfach: unsere Formen, einige Muster, die vom Sänger herausschossen, ein paar kleine Vogelillustrationen, die herumfliegen - so etwas.'
Das Paar wurde gebeten, auf einer Ausstellung in Kopenhagen auszustellen. Sie planen, ein skulpturales Stück zu machen und Animationen ihrer Zeichnungen auf jede ihrer Seiten zu projizieren, die sie selbst erstellen werden, wobei sie zunächst ziemlich einfache Techniken anwenden, aber ehrgeiziger werden, wenn sie ihre Fähigkeiten verbessern.
Sowohl Bolton als auch Chappell sehen in ihren Animationen die Beibehaltung der abstrakten Qualität ihrer Illustrationen. als bewegte Bilder und nicht als strukturierte Erzählung. 'Wir mochten die Idee, dass sich eine Person durch unsere handgezeichnete Welt bewegt', sagt Chappell. 'Mit Animation kann man skurril und fantastisch sein, was wirklich anspricht.'
Bedeutung des Timings
Dies widerspricht dem Ethos eines erfahrenen Animators. 'Bei der Umstellung auf Animation', sagt Dylan White 'Die entscheidenden Fähigkeiten, die ein Illustrator entwickeln muss, sind Design und Timing.'
White ist sowohl Animationsdirektor als auch Illustrator und arbeitet mit Kunden wie der BBC, dem Plattenlabel Rough Trade und Aardman Animations zusammen. Auch er reagiert auf einen Auftrag, indem er seiner Fantasie freien Lauf lässt. Aber in seiner Arbeit ist die Erzählung König.
'Einige der besten Bewegungsgrafiken sind reiner Kaugummi', behauptet er. „Aber in meiner eigenen Arbeit ist das Geschichtenerzählen der Schlüssel. Auch wenn es nur Fetzen oder Fragmente von Ideen sind, beginne ich mit dem Schreiben. '
White betont die Wichtigkeit einer guten, kohärenten Handlung, sagt aber, dass Animatoren nicht unbedingt Drehbuchautoren sein müssen. Kürzlich hat er sich mit Tim Telling zusammengetan, einem Schriftsteller, dessen Drehbuch-Credits Arbeiten für die BBC und Channel 4 beinhalten.
Zusammen schufen sie den brillanten Kurzfilm Yowie And The Magpie, die Geschichte eines übernatürlichen Monsters aus der Folklore der Aborigines, das beim Edinburgh International Film Festival für den renommierten McLaren Animation Award nominiert wurde. White besteht darauf, dass Illustratoren selbst lernen müssen, wie man Zurückhaltung ausübt.
Oberflächendetail
'Wenn Sie ein Standbild entwerfen', sagt er, 'macht es Spaß, es mit vielen Oberflächendetails zu bearbeiten.' Wenn ein Illustrator auf diese Weise für den Druck arbeitet, kann er eine ähnliche Tendenz haben, beim Entwerfen für Animationen viele Informationen in jeden Frame zu packen, was sehr schwer zu lesen sein kann. In Bewegung gibt es eine natürliche Grenze dafür, wie viele Informationen das menschliche Auge aufnehmen kann. Gut gestaltete Animationen können das Auge auf bestimmte Stellen lenken und auf detailliertere Informationen hinweisen, ohne dass sie so dick aufgelegt werden müssen. Weniger ist oft mehr. '
White ist ausgebildeter 2D-Cel-Animator und behält seine Arbeit traditionell bei. Er findet die Arbeit an seinem Computer in der Ideenphase kontraproduktiv, deshalb hält er sich an Skizzen und Miniatur-Storyboards.
Von hier aus geht es zu After Effects, um das Timing zu blockieren, das er mit Flash für die Animation selbst kombiniert. Der Animationsmodus in Photoshop wird bei Animatoren immer beliebter, aber White ist der Ansicht, dass ihm die Funktionalität fehlt, insbesondere beim Exportieren und Integrieren in andere Software.
'After Effects ist viel stabiler und vielseitiger als Flash und Photoshop', begründet er, 'aber die Zeichenwerkzeuge sind ziemlich schrecklich, sodass mein Workflow oft eine Kombination aus allen dreien ist.'
Übung macht den Meister
Die technischen Aspekte der Animation können mit Übung entwickelt werden. Entscheidend, sagt White, ist es, Ihre Individualität zu bewahren und sich von Ihren Zeitgenossen nicht beeinflussen zu lassen.
'Es ist fast zu einfach geworden, sich von unseren Kollegen stilistisch beeinflussen zu lassen', sagt er. „Ich bemühe mich wirklich, das zu reduzieren.
„Wenn wir uns alle die ganze Zeit Vimeo und Motionographer ansehen, mache ich mir Sorgen, dass die Dinge etwas nach innen gehen. Die beste Inspiration scheint von außerhalb Ihrer eigenen Disziplin zu kommen. Spielen Sie wie bei der Illustration mit Ihren Stärken. '
Narrativer Ansatz
Die Arbeit von Simon Spilsbury hat die Aufmerksamkeit aller von Guardian und The Times auf Nike und Virgin gelenkt - ganz zu schweigen von den Richtern für die D & AD Yellow Pencil und Association of Illustrators Images Awards. Er beschreibt sich selbst als 'hauptsächlich ein Exponent der Linie', hat aber an zahlreichen Animationsprojekten gearbeitet. Da seine Arbeit ein narratives Gefühl hat, hat er sich nicht bewusst bemüht, Drehbuchfähigkeiten zu entwickeln, oder er hatte das Bedürfnis, mit einem Drehbuchautor zusammenzuarbeiten.
'Ich entwickle eine Illustration nicht wirklich zu einer Animation', erklärt Spilsbury. 'Es ist ein und dasselbe. Ich dachte immer, meine Arbeit sollte sich bewegen. Ich zeichne sehr spontan und sehr schnell, und wenn Sie diesen Prozess filmen, bewegt er sich sowieso virtuell. '
Obwohl er sich selbst nicht als 'großen Geschichtenerzähler' betrachtet, glaubt Spilsbury, dass sich diese besondere Fähigkeit als entscheidend für die Animation erweisen kann. 'Man muss ein bisschen Verständnis haben, um Trockenmasse in eine Erzählung zu verwandeln - insbesondere für kommerzielle Dinge, Anzeigen usw., bei denen man sehr präzise sein muss', überlegt er. 'Das Timing ist entscheidend - hier kommt der Animator zur Geltung.'
Es ist auch wichtig, mit den richtigen Leuten zu arbeiten. Zu oft, sagt Spilsbury, arbeiten Illustratoren mit inkompatiblen Animatoren zusammen. Er hat mit dem freiberuflichen Animator Simon Deshon zusammengearbeitet - eine Partnerschaft, die zu beiden passt. 'Simon ganztägig im Studio zu haben, hat mich definitiv bewegt', sagt er. 'Meine Zeichnungen eignen sich für seine Bewegung und umgekehrt.'
Insgesamt ist Spilsbury jedoch der Ansicht, dass der Übergang von der Illustration zur Animation noch nie so realisierbar war: „Mit fortschreitender Technologie wird der gesamte Prozess praktikabler. Selten ist das Budget groß genug, um es Ihnen zu ermöglichen, sich verwöhnen zu lassen - was mir zusagt, da meine Linie ziemlich lo-fi ist. Die Bearbeitungszeiten sind heutzutage sehr schnell.
'Das Puppet-Tool in After Effects ersetzt problemlos Stop-Frame und Podium, und alle auftretenden Schwierigkeiten sind im Allgemeinen darauf zurückzuführen, dass ich pingelig bin, ob dies wirklich 25 fps repliziert.'
Qualitätskontrolle
Richard Barnett stimmt zu, dass es nie einfacher war, ein statisches Bild zu verschieben, ist jedoch der Meinung, dass die Qualitätskontrolle jetzt das Problem ist. 'Sie hätten gedacht, wenn Sie zeichnen können, sollten Sie in der Lage sein, es in Bewegung zu setzen', schlägt er vor. 'Und du kannst. Aber es macht es gut, das ist wichtig. '
Barnett ist Geschäftsführer und Produzent des preisgekrönten Animationsstudios Kofferraum . Die Animationsproduktionsfirma zieht Kunden wie die Rolling Stones, die BBC, MTV und Universal an und arbeitet in den Bereichen Film, Rundfunk, Werbung, Musikvideos, interaktive Projekte und Tour-Visuals.
Jeder illustrative Stil ist für eine bestimmte Animationstechnik geeignet: Für komplexe Zeichen ist es einfacher, digitale Ausschnitte zu verwenden. Flash eignet sich am besten für einfache Strichzeichnungen. After Effects für Bewegungsgrafiken; und schließlich Cinema 4D für erweiterte Effekte. Aber der Aspekt der Animation, zu dem Barnett immer wieder zurückkehrt, ist Bewegung. Die Zuordnung eines illustrativen Stils zum richtigen Programm ist wertlos, ohne ein solides Verständnis für Bewegung zu haben.
Beobachten Sie, wie die Dinge funktionieren
'Wie die meisten Kunstpraktiken ist das Beobachten ein Schlüsselinstrument - das Studium der Gewichtsverlagerung, der tatsächlichen Bewegung der Dinge, des Gleichgewichts eines Objekts oder einer Person', erklärt Barnett.
„Wenn Sie etwas überzeugend bewegen können und das Programm kennen, in dem Sie es erstellen können, müssen Sie über die Entwicklung Ihrer Fähigkeiten zum Erzählen von Geschichten und Regie nachdenken - das hängt natürlich davon ab, ob Sie tatsächlich lernen möchten um deine eigenen Geschichten zu erzählen oder einfacher als Animator an den Projekten anderer Leute zu arbeiten.
„Wenn es das erstere ist, dann ist es wie alles am besten, am Anfang zu beginnen. Schreiben Sie einige einfache Geschichten oder nehmen Sie eine einfache Kurzgeschichte und üben Sie, sie zu einem Storyboard zu verarbeiten. Sehen Sie, ob Sie eine Geschichte erzählen können, indem Sie nur eine Kombination von Bildern verwenden.
Überlegen Sie, wie jedes dieser Bilder zu Ihrer Geschichte beiträgt und wie Sie diese Szene am besten so darstellen, als würden Sie mit einer Kamera aufnehmen. Nehmen Sie diese Bilder dann in die Animationsphase auf, legen Sie fest, wie lange Sie bei jeder Aufnahme bleiben möchten, und überlegen Sie, was der Betrachter an diesem bestimmten Punkt in der Geschichte denken oder fühlen soll.
'Wird es während des gesamten Films einen langsamen Aufbau geben? Ist es ein schnelles Stück mit kurzen Szenen und schnellen Schnitten? ' Er lächelt: 'Die Welt ist deine Auster, aber das Studium von Geschichtenerzählen und Regietechniken wäre ein sehr guter Anfang.'
